剧本完成以后，最容易发生的循环是：先出一组看着不错的分镜，发现主角的脸或场景布局不稳定，再回头改人物设定；等人物定下来了，镜头顺序又不合适，于是整组图重做。问题未必是提示词写得不够长，而是前期把不同性质的决定混在同一轮生成里了。
可以把分镜拆成三个目的。第一层只回答剧情：这一场谁想做什么、观众需要看到哪个变化、哪些动作必须发生在画面内。用文字节拍和极简草图就够了，先别追求漂亮。第二层锁住会跨镜头反复出现的东西：人物辨识点、服饰、主要场景的门窗和道具位置、视觉基调。单独存成可检查的参考页，并给每项标注“必须一致”还是“可变化”。第三层才决定具体镜位、景别和运动，让每一格分镜有清楚的叙事作用，而不是一排孤立好看的图片。
如果用生成图做分镜，不妨先选一场难戏做竖切片：一个建立空间关系的远景，一个能看清人物关系的中景，一个情绪或动作细节。每张都检查人物朝向、视线、道具位置和下一镜的接法。画风轻微变化不一定致命；如果换镜之后房间布局和人物站位都变了，后期更难救。反过来，也不要为了让每格像最终海报而迟迟不进入视频测试。分镜是用来暴露问题的，不必替成片承担全部质感。
遇到风格漂移时，先判断漂的是哪一层：角色造型、场景几何、光线色调，还是镜头构图。只改动相关层的参考素材，然后重测一两格，不要把整段提示词同时换掉。连续镜头如果依赖上一段最后一帧，也要确认这种延续有没有牺牲下一镜的表演和机位自由。能延续，不等于能按剧本剪。
我更想看大家如何设置“进入正式生成”的门槛：人物、场景和关键镜头分别要稳定到什么程度？有没有哪一步提前定得太死，反而让后续修改成本变高？